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INTERPOL o el triunfo de las GIBSON

10 Oct

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“If the sea will start strong, maybe we had, maybe we had to fly”(Letra  de “Success”)

 

La banda liderada por Paul Banks siguió al pie de la letra esa máxima. Vieron como estaba de agitado el mar, arriaron velas en 2010 y decidieron retirarse durante 4 largos años. Aparecen ahora en escena, y hay que reconocer que la espera ha merecido mucho la pena. El regreso a casa no ha podido ser más satisfactorio:

 

 

 

Interpol representa en la actualidad el calor ejemplo de cómo lograr el triunfo del sonido de sus guitarras Gibson sobre todo lo demás. Esas guitarras, que se complementan con la carismática voz de Paul, actúan como perfecto complemento para cada uno de sus temas. Ese sonido británico importado por su cantante hasta Nueva York, que logra una perfecta simbiosis de rock británico-americano. El triunfo del grupo reside en buena parte de haber sabido dotarse de un sonido propio, algo muy difícil de hacer hoy día en la música, donde, como se suele decir, todo ya está inventado.

 

 

Tienen muy buen directo y puesta en escena, ese ritmo trepidante de las Gibson que no abandonan nunca. Los he visto tan sólo en una ocasión como teloneros de U2, en el concierto que dieron en 2010, en Sevilla. Reconozco que me gustaría verlos de nuevo, no escondo mi predilección por los grupos que apuestan más por el guitarreo, y que le otorgan protagonismo frente a la voz.

 

 

En cuanto a su relación con el cine, destaca el trabajo conjunto con el cineasta David Lynch. El prestigioso director americano, con su particular método de narrar y montar las historias, se atrevió a poner imágenes a un tema de la banda de Paul.

 

 

Perfecta colaboración entre el director con la mente más oscura de hipnótica del celuloide y el sonido recurrente, tan característico, de Interpol.

 

Por eso, no es de extrañar que sus Gibson se cuelen en la banda sonora de la aclamada “A dos metros bajo tierra”. La serie con tinte de humor negro, que gira en torno a la vida de una familia que regenta un negocio de servicios funerarios, justo en el instante en el que el cabeza de familia fallece.

 

 

Ojalá colaboraran más en películas, porque el sonido que logran es bastante envolvente. ¿Qué opináis vosotros? ¿Os gusta la apuesta de Interpol?

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Cómo recurrir al dolor como seña de identidad

31 Jul

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Dolor ante una pérdida, dolor ante lo que se acaba, dolor que se llega a través de la rabia, dolor que no tiene por qué significar tristeza. Puede que finalizar una etapa, poner punto y final, sea la mejor decisión, la más valiente, pero eso no quita que se sienta un poco de dolor o de miedo….Todos hemos experimentado alguna vez el dolor. Los músicos y compositores no van a ser una excepción. Porque nadie mejor que uno mismo para escribir sobre lo que ha sentido en alguna ocasión. Hoy recopilo a una serie de artistas que en algún momento de su carrera se han topado con él decidieron componer sobre ello. Temas, algunos del pasado, que siguen resonando como la primera vez. Por supuesto, ellos también han colaborado en las bandas sonoras de largometrajes o se han colado en alguna escena. Algunos estrenan disco al mismo tiempo que se estrena el film en el que colaboran. Otros siguen en activo, aunque su pasado perdura en el tiempo. Ellos nos dan la lección de cómo recurrir al dolor como seña de identidad de su trabajo discográfico. Revolucionarios, descarados, e incluso algunos calificados de “sucios”. Te invito a seguir leyendo y disfrutar de esta entrada. Cuatro formas brillantes de expresar el dolor, de materializarlo, de canalizarlo y hacerlo llegar a las masas.

 

Sinead O’Connor: La irlandesa de mirada melancólica

El dolor, tras sufrir varios abortos, y tras la separación del padre de su primer hijo, inspiró “I do not want what I haven’t Got”, el disco más triste y melancólico de su carrera. Todos los temas incluidos en él giran en torno a esa idea.

También “Nothing Compares 2U”. Curiosamente el tema que le catapultó a la fama fue escrito e interpretado por Prince, pero popularizado por esta irlandesa de mirada melancólica. Su triunfo reside, precisamente, en el enorme registro vocal de Sinead y su forma de interpretarlo entre lágrimas, sin artificios, sin maquillaje, mostrando el dolor de manera natural.

 

Una frase tan sencilla y natural como “Nada se compara a ti” contiene una inmensa carga de expresividad, que no es de extrañar que hoy día siga siendo escuchado por numerosas parejas. Es el amor, y la pérdida de él. En mi opinión, una de las mejores canciones que se han escrito jamás, con ciertas reminiscencias del pasado, sí, pero que siguen estando muy presentes.

Por eso, nadie mejor que ella para interpretar “You made me the thief of your heart” en la banda sonora de la película “En nombre del padre”. Sinead encarna en su voz el sufrimiento y el dolor padecido por el protagonista de este suceso real, al que Daniel Day-Lewis dio vida.

This Mortal Coil: La voz perturbadora de la sirena

El dolor y la tragedia rodean a este tema escrito e interpretado por Tim Buckley. El músico no logró superar su adicción a la droga, muriendo en 1975, cinco años después de componer este tema. Además, se da la circunstancia de que su hijo murió ahogado en un río 22 años después. La tristeza sobrevuela todo el tema.

Aquí se vuelve a repetir el caso que ya hemos visto anteriormente. El cover realizado por This Mortal Coil alcanzó mucho más fama que la del compositor americano. Y eso fue gracias a Lynch, que decidió incluirla en una de las escenas más famosas de “Carretera perdida”.

 

The Strokes: Los revolucionarios “sucios” y descarados del rock

En una época en el que el rock y el indie tenían clara dominación británica, irrumpieron unos veinteañeros neoyorquinos desaliñados, que acabaron con ese reinado, trasladando el foco de atención a Estados Unidos. Su estilo, sus letras y su forma de tocar les valió, a The Strokes, el merecedor título de salvadores o renovadores del rock.

Un logro que les llega gracias al genial álbum “Is this It” en el que están incluidas las conocidísimas “Someday”, “Last Nite” o “Hard to explain”.

A partir de ese instante su subida a la cima fue efervescente. Llegaron más discos y más temas que dominaron el panorama indie durante bastante tiempo como “You only live once”, “Heart in a cage”, “Reptilia” o “Under cover of a darkness”.

La subida fue tan meteórica que la carismática Sofía Coppola decidió incluirlos en la banda sonora de “María Antonieta” en 2006. La atrevida directora quería dar otra perspectiva a este personaje histórico. Rompió moldes incluyendo una banda sonora alejada de sinfonías clásicas. Muchos interpretaron este gesto como una ida de olla, pero aunque su gesto fue incomprendido por un sector de la crítica, otros aplaudieron su decisión, como sucedió en Cannes. ¿No consiste el cine en ser transgresor en algunos momentos? Pues eso…

 “What Ever Happened?” fue el tema escogido, incluido en su segundo disco “Room on Fire”:

En la actualidad, los más puristas se han alejado un poco de su música. En un ejercicio parecido al que hizo Coppola, colocaron “One way trigger” como su single principal de su último trabajo hasta la fecha. La música consiste en renovarse o morir. De no ser así, las bandas de rock e indie (a las que se les exige con cada nuevo trabajo, una vuelta de tuerca) pueden entrar en un bucle de hacer siempre lo mismo. Su apuesta renovadora resulta, para mí, ganadora.

 La rabia es la vía para comprender su dolor.

 

Jack White: El rock excéntrico que surgió en Nashville y conquistó el mundo

 La aportación que Jack White ha hecho y sigue haciendo a la música daría para más de una entrada en el blog. Ya sea como una de las mitades de “The White Stripes” o como solista. No voy a ocultar la predilección que siento por este gran compositor, cantante y productor musical. Tildado de excéntrico, y con razón (todo sea dicho), algo que viene de la época de “The White Stripes”, grupo que lideró junto a su mujer, de la que se apropió su apellido y que se presentaban como hermanos. Una de sus muchas excentricidades.

El tono oscuro que expresan los temas incluidos en “Elephant”, (calificado como uno de los mejores discos de la historia de la música) y el divorcio que sobrevoló la grabación del mismo dan sentido a su dolor. El disco incluye “Seven Nation Army”, que ya se ha convertido en todo un himno, y “The hardest button to button”, entre otros.

Como curiosidad hay un capítulo de Los Simpsons que parodian este famoso videoclip.

El éxito no hubiese sido tal sin ninguno de los dos y la concepción que tienen ambos de la música. Centrándome en Jack White, destaca la gran cultura musical que posee, que le ha llevado a incluir toques bluseros en su propuesta rockera, proporcionando al panorama musical un sonido renovado del rock. Una idea con la que ha ido experimentando durante mucho tiempo y que tiene su máxima expresión en su último trabajo “Lazaretto”.

 Fijaos en el comienzo del documental “It Might Get Loud”…

Lo mejor es lo que dice al final “¿Quién dice que necesitas comprar una guitarra?”

Antes de “Lazaretto”, ya ha dado cuenta de su tinte oscuro en algunas aportaciones hechas en bandas sonoras de películas. Siendo las más famosas las de “007, Quantum of solace” junto a Alicia Keys, y el cover “Love is blindness” de U2 para el remake de “El gran Gatsby”. (También ha colaborado con varios temas en “Cold Mountain”, aunque mucho menos oscuros que los mencionados)

 

 

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El baile o cómo lograr eclipsar una escena

19 May

El baile o cómo lograr eclipsar una escena

“Vive como si fueras a morir mañana, trabaja como si no necesitaras el dinero, baila como si nadie estuviera mirando” (Bob Fosse, actor, bailarín, coreógrafo y director de cine estadounidense)

Que no puede existir una gran película con una sensacional banda sonora, ya se sabe, pero ¿Qué se puede decir cuando a la trama se le añade una escena de baile? En esta entrada recopilo aquellos fragmentos memorables por alguna u otra característica. En algunos casos, incluso, la escena de baile es más recordada que la propia trama. Una buena forma de que la música eclipse a la película. ¿Cuál es vuestra escena de baile favorita?

1. El más hipnótico: Salma Hayek en “Abierto hasta el amanecer” (1996)

Salma Hayek era una completa desconocida hasta que protagonizó este exótico baile en “Abierto hasta el amanecer”. Logró no sólo dejar hipnotizados a George Clooney, Quentin Tarantino, Harvey Keitel y a los asiduos a ese extraño bar, el único que no cierra en toda la noche en muchos kilómetros en México, sino también a numerosos espectadores.

La escena lo tiene todo, una chica guapa con sensuales curvas, una serpiente, sus sugerentes movimientos y como no, la música. Tito & Tarantula ponen el ritmo a los pasos de una joven Salma Hayek. “After dark” logra ese efecto hipnótico final. Dirigida por Robert Rodríguez y con guión de Tarantino, “Abierto hasta el amanecer” ofrece un guión bastante original a la par que extraño.

2. El más desternillante: Will Ferrell y Chris Kattan en “Movida en el Roxbury” (1998)

Pasar una noche en el local “Roxbury” es el mayor deseo de los hermanos protagonizados por Will Ferrell y Chris Kattan. Esta es la premisa de la que parte “Movida en el Roxbury”.

Escena en la discoteca:

Escena en el coche:

Escena de la boda:

Una comedia que puso de moda un tema compuesto 5 años antes por Haddaway, “What is love?”. No sólo eso, es uno de los temas más recordados de los 90 y uno de los bailes más desternillantes. El movimiento de cuello más repetido de la historia del cine.

Si quieres echarte unas risas no puedes dejar de ver esta película, y por supuesto, marcarte el baile.

3. El más cínico/maquiavélico: Michael Madsen en “Reservoir dogs” (1992)

De nuevo se cuela Tarantino en esta lista, y nos enseña una lección de cómo conseguir que una escena de tortura se salga de lo convencional. Pues introduciendo un baile. Aquí Michael Madsen se marca unos pases, que se convierten en la escena más cínica de “Reservoir dogs”.

Conocida es la predilección de Tarantino por la música de los 60, 70 y 80, y su gran bagaje musical. Por eso, “Stuck in a middle with you” de Stealers Wheel se convierte aquí en una acertada elección para el baile de Madsen.

Imprescindible ver de principio a fin “Reservoir dogs”, una película que encierra numerosas anécdotas como, por ejemplo, que los trajes los tuvieron que poner los propios actores, ante el bajo presupuesto con el que contaba Tarantino, o que el hombre al que torturan pasó en esa posición 24 horas para dar una sensación de desesperación más real.

4. El más romántico: Clint Eastwood y Meryl Streep en “Los puentes de Madison” (1995)

Pocas historias de amor tocan la fibra como “Los puentes de Madison”. Un fin de semana les basta a Robert y Francesca, para enamorarse. Ella, que se siente sola y atrapada por un matrimonio que ya no le aporta nada, y él, un fotógrafo que llega para hacer unas fotos. Su presencia revoluciona al pueblo, que no lo ve con buenos ojos. Sin embargo, él ve en ella lo que su marido no valora, y ella ve en él lo que los demás no.

El punto clave de la historia es cuando se dan cuenta de eso y se les presenta la ocasión de dejarse llevar por sus sentimientos. Ese momento culminante se produce con un baile.

El tema lo pone Jhonny Hartman y su “I see your face before me”

De esas historias de amor inolvidables que, en mi opinión, no termina como yo quisiera. Un apunte: historia firmada y dirigida por Clint Eastwood, del que ya se conoce su talento para la actuación, pero del que como director supera con creces.

5. El más sentimental: Ralph Fiennes y Kristin Scott Thomas en “El paciente inglés” (1996)

Si “Los puentes de Madison” es una historia inolvidable, la de “El paciente inglés” es de esas por las que no pasa el tiempo. Mucho más trágica que la anterior, un cartógrafo, Almásy, con la mayor parte del cuerpo quemado, cuenta a Hanna, la enfermera que le trata, su historia de amor con Katherine, una mujer casada. Todo ambientado durante la Segunda Guerra Mundial. Un amor imposible que va más allá de las fronteras “de los mapas” como dicen ellos.

Gabriel Yared compuso la banda sonora de este eterno largometraje romántico de Anthony Minguella, ganador de 9 Oscar.

6. El más pasional: Patrick Swayze y Jennifer Grey en “Dirty dancing” (1987)

De los bailes de pareja más pasionales y más recordados de la historia del cine. No faltan en ninguna lista que se precie. Como curiosidad, Patrick Swayze hace de profesor y Jennifer de alumna. Cuando en la vida real, el que tuvo que dar clases de baile para prepararse el papel a fondo fue Patrick, porque Jennifer ya bailaba con anterioridad.

La compenetración entre Jhonny y Baby traspasa al propio baile. “I’ve had the time of my life” fue éxito de ventas y con sólo escuchar unos acordes se reconoce la melodía.

7. El más brillante: Uma Thurman y John Travolta en “Pulp Fiction” (1994)

Es el más brillante por la compenetración que existe entre Mia y Vincent, esa sensación de baile improvisado, tal y como se ve en la escena previa en la que ella señala que quiere bailar y ganar a toda costa, y Vincent no le apetece mucho. Indumentaria en blanco y negro, que tanto gusta a Tarantino, y un detalle fetichista, el de bailar descalzos. Tarantino siente predilección por los pies.

El tema es de Chuck Berry “You never can tell” de 1964. Tarantino vuelve a acertar una vez más.

Años más tarde, ambos actores compartieron escenario para bailar en “Be cool” (2005) un tema mucho más moderno. 11 años después la magia vuelve a surgir entre los dos.

El tema pertenece a Black Eyed Peas, “Sexy”:

8. El más fresco: Slumdog Millonaire (2008)

Danny Boyle firma esta cinta sobre el destino, el optimismo y el mensaje de no perder la esperanza nunca si perseguimos un objetivo. Con una banda sonora genial, de la que sobresale el temazo de M.I.A, “Slumdog millonaire” cuenta con un número musical justo al final, no incluida en la trama de la película.

Una forma original de presentar los créditos de la cinta. “Jai-ho” da un aire fresco a ese broche final.

9. El más oscuro: Natalie Portman en “Cisne negro” (2010)

Si por algo se caracteriza Aronofosky, por el que siento predilección, es por escenificar como nadie las luces y las sombras de los personajes de sus historias. Algo que también sucede en “Cisne negro”, el camino a la perfección que quiere seguir Nina se convierte en algo obsesivo, que llega a poseerla con un final de tinte oscuro. El cine de Aronofsky de alguna manera genera esa especie de repulsión, de desasosiego, de los pocos directores de cine que hacen removerte de la butaca sin necesidad de enseñar mucho.

10. El más divertido: Robert Loggia y Tom Hanks en Big (1988)

Película de nuestra infancia, es raro el que no haya querido repetir esta escena alguna vez. Por eso se convierte en el baile más divertido de todos. Robert Loggia y Tom Hanks protagonizan esta divertida escena.

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Colaboración en “El personaje del mes” de Cinepático

11 May

En Cinemusimbio estamos de enhorabuena…..A partir de ahora también vais a poder seguir este blog a través de otro. Sí, sí, estáis leyendo bien. Cinepático ha estrenado una nueva sección denominada “El personaje del mes”. Yo voy a ser una de las colaboradoras y la sección ya ha incluido mi primera columna para su blog. El personaje escogido ha sido el misterioso protagonista enmascarado de la película “V de Vendetta”.

Si queréis leerla, pinchar en el siguiente enlace:
http://cinepatico.tumblr.com/post/85298046082/v-el-antiheroe-moderno-marina-ballester

Desde aquí, quiero agradecer una vez más por haber contado conmigo para esta magnífica sección dentro de este microblog, al que recomiendo no dejéis de echar un vistazo de vez en cuando, por no decir todos los días.

Además, también puede servir como un espacio de debate, porque como suelo decir cada persona siente el cine de distinta manera. ¡¡¡¡A disfrutar!!!!

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La garra o cómo entender la música de otra manera

1 Abr

La garra o cómo entender la música de otra manera

Definición de garra de la RAE: 3.f Fuerza, empuje
Tener > 1. loc. verb. Ejercer un fuerte poder de atracción, convicción o persuasión.

Ya se sabe que un buen tema triunfa por muchos y variados motivos. Últimamente, compruebo que los ritmos que la componen tienen una característica en común: la garra. Para mí, un tema tiene garra, cuando la música te incita a mover el cuerpo, cuando su ritmo es pegadizo y la letra encierra mensaje. En este caso, la batería es más protagonista que nunca, el guitarreo mucho más rápido de lo normal, e incluso en algunos casos los sintetizadores desplazan a la letra. Cuatro grupos imprescindibles en la actualidad que han colado sus temas en algunas películas.

Imagine Dragons, en la cima de las listas

Empiezo con los renovadores, con los que le han dado una vuelta al significado de música con garra. “On top of the world” y “Radioactive” se han convertido en éxitos absolutos en las listas de música de medio mundo. La razón de su éxito reside en el aire fresco que aporta su música, además de contagiar de su ritmo al público.

De eso se dieron cuenta los que montaron el tráiler de la película “La huésped”, que incluyeron de forma magistral “Radioactive”. Hacer coincidir la sucesión de fotogramas con el ritmo trepidante de esta canción. Todo un acierto, las imágenes, la voz en off y la música. Realizar el montaje de un tráiler se ha convertido ya en un arte en sí mismo:

La fuerza del tráiler reside en buena parte por “Radioactive”, un tema con mucha energía. Tanta como la que pusieron sobre el escenario de la ceremonia de los Grammys 2014 en esta colaboración/versión de Imagine Dragons con Kendrick Lamar. Sin calificativos, sólo hay que ver las caras de los asistentes. Genial el ritmo que coge el tema a partir del minuto 2:22:

Se puede comprobar, lo que decía al principio que la batería es más protagonista que nunca en la segunda parte del tema, a partir del minuto 3:28.

Ahora atentos al siguiente anuncio de la campaña “Saca tu bici” de la cerveza San Miguel:

Y en la cabecera de la serie “Partners”:

Os suena ¿No? El éxito, que ahora consiguen con “Radioactive”, ya lo habían comprobado con el tema con el que se dieron a conocer mundialmente, “On top of the world”, con el que también logran una puesta en escena impresionante:

Tema que también ha servido de banda sonora de los videojuegos de fútbol FIFA 13 y PES 2013. En tan sólo 2 años han conseguido mucho. Habrá que seguir sus pasos. Por lo pronto, están confirmados para la edición del BBK de este año.

One Republic, contando éxitos

Contando éxitos o contando estrellas como ellos dicen en su último éxito que seguro que hemos escuchado. Mensaje optimista éste la igual que “On top of the world”. Imposible resistirse a dejarse llevar por su ritmo:

Aunque el primero de sus éxitos les llegó de la mano del rapero y productor musical Timbaland.

Alcanzaron la fama con “Apologize” y se ha incluido en varias escenas de serie, como por ejemplo “Gossip girl”:

No se puede negar que la escena gana más cuando entra en acción la música. Algo que sucede también con el tema “Secrets”:

Perteneciente a la banda sonora de la película “El aprendiz de brujo”, y que aparece en esta escena:

Mumford & Sons, la garra a través de los acordes de una guitarra

Nunca el folk rock ha tenido tanta garra como el que hacen gala este cuarteto. Mumford & Sons residen su éxito gracias a la acertada introducción de varios instrumentos que no se suelen utilizar a menudo en actuaciones en directo como son el banjo, el acordeón o la mandolina. Eso sumado al estilo rápido de Marcus Mumford, se obtiene un tema con mucho empuje, y que te pone de muy buen humor:

“Babel” (Seguro que han roto más de una cuerda, jeejeje….)

“The Cave”

“Little lion man”

Los Hermanos Coen eligieron a Marcus Mumford y Oscar Isaac para poner banda sonora a su último trabajo “A próposito de Llewyn Davis”. Muy Coen la película, con John Goodman entre otros, que ya trabajó con Ethan y Joel en la genial “El gran Lebowski”:

Genial ese toque de los Coen. Si queréis conocer más sobre su filmografía, podéis visitar la entrada “Los Hermanos Coen o cómo convertir lo absurdo en belleza”.

Además, si queréis conocer más entresijos de Mumford & Sons podéis visionar el documental Big Easy Express en el que viajan junto a otros grandes grupos de música. Con escenas tan graciosas como ésta:

Capital cities o cómo pasarlo bien encima del escenario

A Ryan y a Sebu la fama les viene porque Vodafone incluyó su brillante “Capital cities” en un anuncio de Vodafone en Alemania. Lo más curioso es que el mismo anuncio te invita a taguear la canción con el gran programa “Shazam”:

Su puesta en escena también demuestra mucha garra, y sobre todo que les gusta lo que hacen:

Este dúo indie tan peculiar coló su tema “One minute more” en tercera entrega de las andanzas de Iron Man:

¿Os gustan los grupos y los temas con garra?

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Los personajes que marcaron nuestra infancia….y su música

26 Mar

Los personajes que marcaron nuestra infancia….y su música

“El secreto de la genialidad es el de conservar el espíritu del niño hasta la vejez, lo cual quiere decir nunca perder el entusiasmo” (Aldous Huxley)
Dicen que la infancia es la etapa más crucial de nuestra vida. Según como se desarrolle, así seremos de adultos. Por eso, creo que tiene que ser la etapa más feliz de cualquier niño. Al mismo tiempo tiene que ser una etapa en la que el niño aprenda, se entretenga y haga volar su imaginación. He querido reunir en una misma entrada todas esas películas y series que pertenecen a nuestra infancia, aquellas que tuvieron su mayor éxito en los años 80. Y aquellas que transmiten mensajes que debemos aplicar siempre. Por eso, ¿Qué película o serie marcó tu infancia? Sin olvidar, por supuesto, la música 😉

1. La Historia interminable (1984)
La mía, sin lugar a dudas, es “La historia interminable”. La he visto en incontables veces, y sería capaz de ponerla ahora mismo, para visionarla una vez más. Todavía recuerdo la primera vez que la ví, la echaban en Telecinco la tarde de una Nochevieja. Me acuerdo que me la grabaron en cinta VHS con sus anuncios y todo, jejeje. La primera vez, me impresionó un montón por los personajes que salen. En la actualidad, gana más importancia porque grabar una superproducción de este tipo en aquellos años era más difícil que ahora.

Un cuento para niños y adultos con la moraleja final de que nunca hay que perder las ganas de leer, de soñar, porque si eso sucede la “Nada” termina por destrozarlo todo….Fijaos en esta escena entre Atreyu (el héroe) y G’mork, servidor de la Nada (el villano)

Wolfgang Petersen apostó fuerte por esta película, que se convirtió en la producción alemana más cara de aquel año. Además el tema principal del grupo Limahl siempre pervivirá en el recuerdo de todos. Es escucharlo y enseguida nos viene a la cabeza Bastian, el reino de Fantasía, el Comepiedras o Morla.

2. Dentro del laberinto (1986)

¿Qué pasaría si desearas que tu hermano pequeño, que no deja de llorar, se lo llevaran los Goblins? Pues que después tendrías que adentrarte en un laberinto para rescatarlo. Eso es lo que sucede a una jovencísima Jennifer Connelly en esta película dirigida por el creador de los Teleñecos. De obligado visionado, tengas la edad que tengas, porque cuenta con la genial interpretación de David Bowie con su genial “Magic Dance”.

Y no es ésta la única vez que el cantante más camaleónico se ha colado en una película, llevo analizadas cunas cuantas en las que aparece. Bowie es el rey de los Goblins, Jareth, que va cambiando todas las pistas de sitio para que Sarah no logre rescatar al bebé. Un laberinto que es más complejo de lo parece a simple vista.

3. Willow (1988)

Willow es de esos personajes a los que coges cariño para toda la vida, alguien tan pequeño en apariencia pero con un corazón grande y valiente. Willow nos enseña que más vale ser cola de ratón que cabeza de león, que tenemos que buscar el valor en nuestro interior, que no es más fuerte quien más lo dice, sino quien lo demuestra con hechos. Por eso Willow hará todo lo posible por proteger a la niña que acabará con el reinado de la malvada Bavmorda. Warwick Davis y Val Kilmer dispararon su fama a raíz de esta superproducción. Dirigida por un genial Ron Howard, al que no se le puede achacar ningún fallo en su filmografía, es de los que saben elegir muy bien sus proyectos.

Aquí os dejo un enlace con la película completa:

La genial banda sonora, de la que se puede disfrutar desde el principio, está compuesta por James Horner, ganador del Oscar por la banda sonora de “Titanic”.

¿Hacen falta más motivos para verla?

4. Los cazafantasmas (1984)

Ahora que recientemente ha muerto Harold Ramis, “Los cazafantasmas” se ha convertido en todo un icono y su papel más recordado. De hecho, protagoniza una de las mejores escenas de la película, y eso que existen numerosos momentos de risa. Se trata de la escena en la que imagina al muñeco de los Marshmallow, y la explicación que da a sus compañeros, que apuestan por no imaginar nada para que Gozer no pueda destruir la ciudad. Pero Ramis imagina al muñeco porque cree que una cosa tan inocente no puede hacer el mal, jajaja, de risa.

Con el tema de Jackie Wilson “Higher and higher” en esta genial escena:

Una película imprescindible que no pasa de moda nunca, y con otro tema principal que protagoniza el tráiler:

¡¡Música ochentera total!!

5. E.T. (1982)

Steven Spielberg logró en los 80 acercarnos el mundo extraterrestre con una genial historia sobre la amistad que surge entre un niño y un ser de otro planeta. Venía precedido por el éxito que le había proporcionado la genial “Tiburón”, con la que logró meter el miedo en el cuerpo a la gente cuando iba a la playa. Elliott arriesga su vida por no separarse de su nuevo y extraño amigo a ojos de los demás. Porque hay amistades que traspasan cualquier barrera, y ésta es una de ellas. SPOILER Con un final que a día de hoy sigue haciéndome llorar, cuando ambos se despiden.

La banda sonora no podía ser de otra manera que de John Williams con el que ha trabajado codo con codo, en numerosas ocasiones. Y sin duda con una de las mejores escenas que se han hecho en la historia del cine:

Lo genial de esta escena es que la película se rueda en 1982, no son los mismos efectos especiales que en la actualidad, y sin embargo, la escena guarda toda su magia.

6. Los Goonies (1985)

Es la película de referencia para toda una generación, en la que Spielberg vuelve a tener parte de culpa, puesto que participó en la producción de la misma. La búsqueda de un tesoro perdido es el argumento central de esta historia, hoy convertida en película de culto. A mí no me gusta tanto esta historia, soy la excepción que confirma la regla, pero debo reconocer su valor. Me gusta más de mayor, que en mi infancia, jeje.

La genial Cindy Lauper firma el tema de la película:

7. Gremlins (1984)

Lo más destacable de esta película es la dificultad técnica que tuvieron en aquella época para lograr la movilidad de Gizmo y de los Gremlins. También las geniales normas que envuelven toda la trama: no se le puede dar de comer después de las 00:00, no le puede dar la luz y tampoco se puede mojar. Claro está, el protagonista incumple las normas y se desata un ejército de criaturas no tan amigables como Gizmo.

Una melodía super reconocida:

Jerry Goldsmith firma esta banda sonora. Nominado a los Óscar en numerosas ocasiones, sólo lo ha logrado por “La profecía” en 1976:

En la segunda parte que hicieron de la película hay una escena muy graciosa son el tema de Fats Domino “I’m ready”:


Cine y música van de la mano, son inseparables:

8. Fraggle Rock, David el Gnomo y La vuelta al mundo de Willy Fog

No sólo las películas y su música nos han acompañado en nuestra infancia. Las series también han tenido su papel protagonista. Son con las que, en mayor o menor medida, hemos pasado más tiempo. Quien no recuerda las famosas intros de estas 3 series míticas. Seguro que la merienda te la has tomado con alguna de estas 3. “David el Gnomo” me fascinaba, y “La vuelta al mundo de Willy Fog” recuerdo que me la grababan en cinta para no perderme ningún capítulo.

¿Qué película o serie marcó tu infancia? Dedicada a todos los que me seguís, porque todos fuistéis pequeños alguna vez.

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El valor de un reconocimiento

2 Mar

El valor de un reconocimiento

“Sólo eres dos años mayor que yo ¿Dónde has estado toda mi vida?” (Christopher Plummer al recibir con 82 años el Óscar a mejor actor de reparto por “Beginners”)

Es un codiciado objeto de deseo. Muchos no le dan mucho interés públicamente por ganarlo, pero, al mismo tiempo, todos ansían colocarlo en las estanterías de su casa. En mi opinión, la estatuilla dorada, con más de 80 años de historia, no ha hecho justicia en muchos casos o con muchas películas. Aunque, claro está, ése es otro debate del que ya escribiré otro día. Por ejemplo, el caso de David Lynch que no cuenta con ninguna estatuilla todavía, y a este paso, como no sea el honorífico. Hoy me centraré en las bandas sonoras y temas que optan al Óscar en esta edición 2014, que cuentan con un nivel bastante alto. Como aperitivo, están confirmadas las actuaciones de U2 y Pharrell Williams con sus respectivos temas nominados.

http://rollingstone.es/noticias/view/u2-actuaran-en-los-oscar

“Ordinary love” y “Happy” parten como favoritas, pero no hay que despistarse con “The moon song”, interpretado por la enigmática y a la par que extravagante Karen O. Con su voz, que consigue pasar desapercibida, ha logrado colarse con la brillante “Her” de Spike Jonze.

Cantar a la felicidad

El ritmo bailable y neo soul de este americano ha conseguido trascender a “Gru 2: mi villano favorito”, la película en la que participa como banda sonora, e inundar de felicidad cada uno de los rincones de este planeta.

Hasta el punto de que cualquier ciudad del mundo cuenta ya con un vídeo en Youtube con sus ciudadanos bailando al ritmo de este tema original. De esos, que te reconcilian con la música y aportan aire fresco a este género.

Esta noche-madrugada inundará de felicidad el escenario del Dolby Theatre, sin embargo, su actuación no decidirá nada, puesto que la elección ya está tomada.
Como punto a favor, Pharrell Williams ha participado de manera directa en algunos de los temas que más han sonado en 2013 y parte de este: “Get lucky” de Daft Punk y “Blurred Lines” con Robin Thicke.

La madurez condensada en una canción

De la felicidad damos un salto hasta el amor, otro de los temas tan manidos en las letras de las canciones. Aunque Bono y compañía le dan un golpe de efecto para hablar del “amor ordinario”. Aquél del que hacía gala Nelson Mandela, y del que el mundo entero debería practicar. “Ordinary love” condensa la madurez del estilo musical de Bono, The Edge, Adam y Larry. Una premisa de la que los irlandeses dan publicidad siempre que pueden. En “No line on the horizon” ya advirtieron de que “el futuro necesita un gran beso” (“The future needs a big kiss”).

Al igual que Pharrell, U2 está ante la posibilidad de alzarse con su primer Óscar. Cuentan en su haber con dos Globos de Oro, pero les queda por conquistar la ansiada estatuilla dorada. Conseguirla sería la perfecta campaña de promoción que tendrían para el inminente lanzamiento de su nuevo disco. Si las quinielas y las estadísticas no fallan, el que gana el Globo de Oro también se alza con el Óscar. Y U2 ya lo tiene por “Ordinary love”….¿Será una señal?

Mientras que esperamos su actuación esta noche, podemos ir abriendo boca con la que protagonizaron hace ya algunas semanas en la azotea de un edificio en Nueva York, en el show de Jimmy Fallon:

Una nana moderna

Y del amor ordinario cruzamos hasta el amor extraordinario, o extra sensorial. Spike Jonze firma a través de “Her” una experiencia única: la posibilidad de que un humano y un sistema operativo puedan enamorarse en una sociedad más conectada por las redes sociales, pero que al mismo tiempo puede mantenernos aislados del resto de planeta. Jonze juega con esa dualidad de conexión/desconexión.

La carismática Karen O, líder de la banda indie y garage punk Yeah Yeah Yeahs, se ha colado de puntillas en las nominaciones de Mejor Canción Original con “The Moon song”. Una canción tranquila y pausada que he decidido catalogar como una nana moderna. Te atrapa por su exquisita sencillez, algo que sobrevuela por la cinta protagonizada por el gran Joaquin Phoenix.

Un estilo al que Karen no nos tiene acostumbrados y que ya mencioné en la entrada sobre David Fincher, ya que el director americano había dirigido el último anuncio de Calvin Klein, e incluía el tema “Runaway” de esta banda:

“Her” cuenta con una gran ventaja frente a sus contrincantes. Cuenta con las nominaciones de Mejor Banda Sonora Original y Mejor Canción Original. Una banda sonora que cuenta también con la participación de Arcade Fire, precisamente grupo predilecto de U2.

Los pesos pesados

No hay que perder de vista a Steven Price y John Williams, autores de las bandas sonoras de “Gravity” y “La ladrona de libros” porque también pueden dar la campanada durante la ceremonia. Son los pesos pesados el primero porque para muchos firma una composición que supera con creces el argumento de Cuarón, y el segundo por su dilatada trayectoria en la música cinematográfica y los 5 Óscar que cuenta ya en su haber.

Sea como sea, ganen o no, la frase de Plummer del principio, encierra una de las claves de ese amor-odio, que los artistas, en general, sienten, si sus carreras no están valoradas con ese reconocimiento en forma de estatuilla dorada.

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