Dolor ante una pérdida, dolor ante lo que se acaba, dolor que se llega a través de la rabia, dolor que no tiene por qué significar tristeza. Puede que finalizar una etapa, poner punto y final, sea la mejor decisión, la más valiente, pero eso no quita que se sienta un poco de dolor o de miedo….Todos hemos experimentado alguna vez el dolor. Los músicos y compositores no van a ser una excepción. Porque nadie mejor que uno mismo para escribir sobre lo que ha sentido en alguna ocasión. Hoy recopilo a una serie de artistas que en algún momento de su carrera se han topado con él decidieron componer sobre ello. Temas, algunos del pasado, que siguen resonando como la primera vez. Por supuesto, ellos también han colaborado en las bandas sonoras de largometrajes o se han colado en alguna escena. Algunos estrenan disco al mismo tiempo que se estrena el film en el que colaboran. Otros siguen en activo, aunque su pasado perdura en el tiempo. Ellos nos dan la lección de cómo recurrir al dolor como seña de identidad de su trabajo discográfico. Revolucionarios, descarados, e incluso algunos calificados de “sucios”. Te invito a seguir leyendo y disfrutar de esta entrada. Cuatro formas brillantes de expresar el dolor, de materializarlo, de canalizarlo y hacerlo llegar a las masas.
Sinead O’Connor: La irlandesa de mirada melancólica
El dolor, tras sufrir varios abortos, y tras la separación del padre de su primer hijo, inspiró “I do not want what I haven’t Got”, el disco más triste y melancólico de su carrera. Todos los temas incluidos en él giran en torno a esa idea.
También “Nothing Compares 2U”. Curiosamente el tema que le catapultó a la fama fue escrito e interpretado por Prince, pero popularizado por esta irlandesa de mirada melancólica. Su triunfo reside, precisamente, en el enorme registro vocal de Sinead y su forma de interpretarlo entre lágrimas, sin artificios, sin maquillaje, mostrando el dolor de manera natural.
Una frase tan sencilla y natural como “Nada se compara a ti” contiene una inmensa carga de expresividad, que no es de extrañar que hoy día siga siendo escuchado por numerosas parejas. Es el amor, y la pérdida de él. En mi opinión, una de las mejores canciones que se han escrito jamás, con ciertas reminiscencias del pasado, sí, pero que siguen estando muy presentes.
Por eso, nadie mejor que ella para interpretar “You made me the thief of your heart” en la banda sonora de la película “En nombre del padre”. Sinead encarna en su voz el sufrimiento y el dolor padecido por el protagonista de este suceso real, al que Daniel Day-Lewis dio vida.
This Mortal Coil: La voz perturbadora de la sirena
El dolor y la tragedia rodean a este tema escrito e interpretado por Tim Buckley. El músico no logró superar su adicción a la droga, muriendo en 1975, cinco años después de componer este tema. Además, se da la circunstancia de que su hijo murió ahogado en un río 22 años después. La tristeza sobrevuela todo el tema.
Aquí se vuelve a repetir el caso que ya hemos visto anteriormente. El cover realizado por This Mortal Coil alcanzó mucho más fama que la del compositor americano. Y eso fue gracias a Lynch, que decidió incluirla en una de las escenas más famosas de “Carretera perdida”.
The Strokes: Los revolucionarios “sucios” y descarados del rock
En una época en el que el rock y el indie tenían clara dominación británica, irrumpieron unos veinteañeros neoyorquinos desaliñados, que acabaron con ese reinado, trasladando el foco de atención a Estados Unidos. Su estilo, sus letras y su forma de tocar les valió, a The Strokes, el merecedor título de salvadores o renovadores del rock.
Un logro que les llega gracias al genial álbum “Is this It” en el que están incluidas las conocidísimas “Someday”, “Last Nite” o “Hard to explain”.
A partir de ese instante su subida a la cima fue efervescente. Llegaron más discos y más temas que dominaron el panorama indie durante bastante tiempo como “You only live once”, “Heart in a cage”, “Reptilia” o “Under cover of a darkness”.
La subida fue tan meteórica que la carismática Sofía Coppola decidió incluirlos en la banda sonora de “María Antonieta” en 2006. La atrevida directora quería dar otra perspectiva a este personaje histórico. Rompió moldes incluyendo una banda sonora alejada de sinfonías clásicas. Muchos interpretaron este gesto como una ida de olla, pero aunque su gesto fue incomprendido por un sector de la crítica, otros aplaudieron su decisión, como sucedió en Cannes. ¿No consiste el cine en ser transgresor en algunos momentos? Pues eso…
“What Ever Happened?” fue el tema escogido, incluido en su segundo disco “Room on Fire”:
En la actualidad, los más puristas se han alejado un poco de su música. En un ejercicio parecido al que hizo Coppola, colocaron “One way trigger” como su single principal de su último trabajo hasta la fecha. La música consiste en renovarse o morir. De no ser así, las bandas de rock e indie (a las que se les exige con cada nuevo trabajo, una vuelta de tuerca) pueden entrar en un bucle de hacer siempre lo mismo. Su apuesta renovadora resulta, para mí, ganadora.
La rabia es la vía para comprender su dolor.
Jack White: El rock excéntrico que surgió en Nashville y conquistó el mundo
La aportación que Jack White ha hecho y sigue haciendo a la música daría para más de una entrada en el blog. Ya sea como una de las mitades de “The White Stripes” o como solista. No voy a ocultar la predilección que siento por este gran compositor, cantante y productor musical. Tildado de excéntrico, y con razón (todo sea dicho), algo que viene de la época de “The White Stripes”, grupo que lideró junto a su mujer, de la que se apropió su apellido y que se presentaban como hermanos. Una de sus muchas excentricidades.
El tono oscuro que expresan los temas incluidos en “Elephant”, (calificado como uno de los mejores discos de la historia de la música) y el divorcio que sobrevoló la grabación del mismo dan sentido a su dolor. El disco incluye “Seven Nation Army”, que ya se ha convertido en todo un himno, y “The hardest button to button”, entre otros.
Como curiosidad hay un capítulo de Los Simpsons que parodian este famoso videoclip.
El éxito no hubiese sido tal sin ninguno de los dos y la concepción que tienen ambos de la música. Centrándome en Jack White, destaca la gran cultura musical que posee, que le ha llevado a incluir toques bluseros en su propuesta rockera, proporcionando al panorama musical un sonido renovado del rock. Una idea con la que ha ido experimentando durante mucho tiempo y que tiene su máxima expresión en su último trabajo “Lazaretto”.
Fijaos en el comienzo del documental “It Might Get Loud”…
Lo mejor es lo que dice al final “¿Quién dice que necesitas comprar una guitarra?”
Antes de “Lazaretto”, ya ha dado cuenta de su tinte oscuro en algunas aportaciones hechas en bandas sonoras de películas. Siendo las más famosas las de “007, Quantum of solace” junto a Alicia Keys, y el cover “Love is blindness” de U2 para el remake de “El gran Gatsby”. (También ha colaborado con varios temas en “Cold Mountain”, aunque mucho menos oscuros que los mencionados)
cinemusimbio 